Imagem: Miles Aldridge
DCW: Além da mudança para o digital, como a fotografia mudou desde que você começou?
MA: Muitas coisas mudaram desde que peguei uma câmera pela primeira vez para me tornar um fotógrafo profissional. Ainda filmo em filme, embora filma em digital se for um problema para um determinado cliente. Mas uma das maiores mudanças é que trabalho muito menos com publicidade convencional, e acredito que isso tenha acontecido por causa do crescimento das mídias sociais.
Os clientes que costumavam gastar seus orçamentos em grandes sessões de fotos agora gastam em uma mistura disso e de mídia social. Acho que a maioria das pessoas concordaria que o investimento em fotografia publicitária é - e arrisco um palpite aqui - apenas cerca de 10% do que era há 20 anos. É uma paisagem muito diferente.
Quando comecei, as revistas eram muito dinâmicas e empolgantes. Antes da internet, as revistas tinham um controle real sobre o consumidor e essa era uma das principais formas de transmitir sua mensagem. Depois que a internet decolou e passou a prometer aos clientes que poderia focar seu público-alvo, e até dar feedback sobre quantas pessoas viram seus anúncios e assim por diante, a proposta de um anúncio em revista tornou-se cada vez menos atraente. Claro, as revistas fizeram tudo o que puderam para ter os anunciantes de volta, oferecendo taxas cada vez mais baratas, imagino. Agora, não é mais a parte mais importante da campanha publicitária de ninguém.
Quando comecei, a situação era clara: se você fosse um bom fotógrafo editorial e fizesse muitos editoriais para as revistas certas - The Vogues, e assim por diante - você teria muitas campanhas publicitárias para filmar. E o dinheiro que você ganhou com as campanhas de publicidade também poderia ser gasto para tornar seus editoriais ainda melhores, porque as revistas não apoiavam realmente os fotógrafos. Haveria um orçamento básico, mas se você quisesse fazer algo especial - como eu sempre fiz - teria que pagar por isso você mesmo.
Esse tipo de dinâmica estava lá quando eu comecei, e continuou assim até a internet se estabelecer. Se você folhear as revistas de meados dos anos 90, verá que a publicidade é muito mais agressiva, ousada e incomum. Eu diria até artístico. Agora, todas as imagens publicitárias parecem que poderiam ser fotografadas pelo mesmo fotógrafo. Existe uma espécie de requisito básico agora para apenas fotografar a roupa ou o que quer que seja. Não há interesse real do cliente de publicidade em ter algo artístico, eu diria.
Você acha que existe um elemento de pessoas que não querem correr os mesmos riscos de antes?
Bem, eles não podem. Eu acho que quando a indústria está cheia de medo - uma recessão após a outra, ou as promessas da internet de dar muito dinheiro a essas marcas - ela se torna bastante vazia. O medo que isso instila nas pessoas investidas nesses projetos faz com que elas pensem que talvez não funcione, então é melhor não atrapalharem e, portanto, não vale a pena arriscar nada. Acho que quando você está em uma situação como essa, só vai criar um trabalho muito, muito insosso. Então, sim, para responder à sua pergunta, acho que as pessoas têm medo de fazer imagens arriscadas ou interessantes.
Além disso, se você voltar 20 anos ou mais, o mercado não era tão global quanto é agora, com a mesma imagem tendo que atrair um público na Arábia Saudita, Índia ou África. Quando o seu público é tão grande, isso tem o efeito de diluir o que é aceitável do ponto de vista visual. O que nós, ou eu, podemos achar interessante em uma imagem, por se tratar de um filme ou teatro onde as referências culturais são muito claras, pode não ser compreendido por alguém na Arábia Saudita, por exemplo, e eles podem se sentir insultados por isso. Portanto, os anunciantes precisam ser cuidadosos com o que mostram.
"Acho que as pessoas têm medo de fazer imagens arriscadas ou interessantes."
Miles Aldridge
Uma das coisas que realmente mudou desde que comecei a fotografia é que a fotografia publicitária se tornou realmente desinteressante. Quando comecei, certas marcas de moda como Jil Sander eram o objetivo absoluto. Jil Sander era vista como a Capela Sistina da fotografia de moda, aquela que todo fotógrafo queria ter. Não acho que haja uma campanha publicitária de moda que qualquer fotógrafo ache que vale a pena fazer hoje em dia, embora a Gucci ainda pareça muito boa, para ser justo.
Você fotografou as estrelas de A Guerra dos Tronos para a revista TIME recentemente. Como isso aconteceu? Isso é bem diferente do que você é conhecido. Você fez isso em resposta à mudança da indústria de alguma forma?
Tenho feito imagens do mesmo tipo de maneira intermitente em minha carreira. Eu fiz uma imagem chamada Like a Painting para a Vogue italiana em 2008 e foi inspirada por um pintor renascentista chamado Pisanello. O projeto Game Of Thrones em 2017 foi inspirado principalmente por um pintor da Renascença do Norte chamado Lucas Crannach, mas também ligeiramente inspirado por Albrecht Dürer, o outro grande pintor da Renascença do Norte. Consigo me inspirar em filmes, livros e pintura, e sou um amante da história da arte; se é inspirador, fico muito feliz em pegar uma referência de algo que tem 500 anos ou mais. Eu acho que é sempre importante trazer um toque de Miles Aldridge para isso, então eu não gostaria de apenas fazer uma fotocópia direta de uma pintura - eu não acho isso interessante. Eu sempre gosto de trazer um elemento do meu trabalho mais conhecido para ele, mesmo que tenha uma referência antiga ou antiga.
Na sessão de fotos de Game Of Thrones, trabalhei muito com o cenógrafo para ter tecidos mais pop, com uma paleta de cores mais ampla, para dar um toque moderno a essas fotos históricas. Como o GOT é fantasia e ficção, baseado nesse universo paralelo, tentei pensar em uma maneira de fazer retratos tanto singularmente quanto em grupo que referenciassem o que era o GOT, mas também adicionar algo diferente. Então, amarrando-o a essa tradição do Renascimento do Norte desses retratos muito simples, com um elemento simbólico como uma flor ou um pedaço de fruta. Há uma pintura muito famosa de Leonardo da Vinci de uma garota segurando uma doninha, por exemplo.
"Se for inspirador, estou muito feliz em pegar uma referência de algo que tem 500 ou mais anos."
Miles Aldridge
Esses eram os tipos de regras, contanto que eu as adotasse, eu poderia adaptar a imagem usando minha iluminação, cor e clareza características. Isso é algo que compartilho com aqueles artistas: eles tinham um olho obsessivo para registrar detalhes. A maneira como ilumino e uso minha câmera significa que capto uma quantidade extraordinária de detalhes, semelhante a uma pintura da Renascença setentrional daquele período.
Você diria que as pinturas têm mais influência sobre você do que as obras de outros fotógrafos?
Certamente fui influenciado por outros fotógrafos como Helmut Newton, Guy Bourdain, Irving Penn e Richard Avedon. Acho interessante não apenas a imagem que eles tornaram, mas também a maneira como suas carreiras se moveram entre trabalhar para revistas e projetos pessoais. Avedon trabalhou em exposições e livros, assim como Newton e Bourdain. Avedon também fez muito trabalho político. Acho suas carreiras inspiradoras, e algumas de suas imagens são realmente incríveis, mas acho que se você apenas se inspirar em outros fotógrafos, provavelmente terá um sucesso moderado com essa abordagem.
Ao invés de ser sempre fotógrafo, sempre quis ser cineasta ou diretor, e sempre me inspirei muito nas imagens que pude ver no cinema. Quando tive a oportunidade de ser fotógrafo, embora tivesse outros fotógrafos como alguns dos meus heróis, fiquei muito animado por poder também fazer fotos que pareciam fotos dos filmes que eu amava. Ou um mashup entre uma cópia da Vogue e um filme, como uma fotografia cinematográfica, mas a modelo estaria vestindo algo que era importante para a revista, e tudo combinado tornou-se algo novo. E é provavelmente por isso que há interesse no meu trabalho, porque não é apenas uma referência a outros fotógrafos do passado, ou ao Renascimento, ou mesmo apenas ao cinema. Tenho uma mente de pega, vendo algo em um lugar e outra coisa em outro e, em seguida, construindo uma imagem que é pessoal, mas também faz referência a outras coisas nas quais estou interessado.
Sobre o assunto de cinema, eu sei que você dirigiu alguns videoclipes no passado. Isso é algo que você imagina mais? Ou talvez indo para o cinema?
"Quando tive a oportunidade de ser fotógrafo … fiquei muito entusiasmado por poder também fazer fotos que pareciam fotos dos filmes que eu amava."
Miles Aldridge
Eu nunca diria nunca, mas fiz os vídeos pop antes mesmo de pegar uma câmera, então isso foi provavelmente cerca de 25 anos atrás. Tive muita sorte de ter caído nessa carreira, e fiz isso por alguns anos. Eu não era muito bom e as pessoas eram muito pacientes comigo - elas basicamente me deixavam mexer em uma câmera de cinema. Mas aprendi muito sobre como fazer isso. Aprendi muito sobre como construir cenários e criar esses espaços cinematográficos. Aprendi um pouco sobre iluminação conversando com os cinegrafistas com quem estava trabalhando. Também aprendi como gerenciar um grande grupo de pessoas, um grande conjunto em uma grande sessão de fotos. A maioria desses vídeos tinha cerca de 30 pessoas fazendo tarefas diferentes, e nas minhas filmagens agora provavelmente há uma quantidade semelhante de pessoas. É sempre uma produção e tanto.
Acho que foi muito útil para me fazer questionar se eu realmente queria ser um cineasta, porque achei muito difícil colocar uma assinatura na imagem quando estava fazendo vídeos pop. Quando eu era fotógrafo, eu sentia que poderia fazer algo onde realmente havia assinado, como se fosse a minha imagem. Acho que fazer filmes é um processo muito mais colaborativo; você realmente tem que trabalhar com o cineasta como diretor, e eles terão uma grande influência na aparência de tudo. Você tem que abrir mão de alguma parte de sua própria estética. Então, porque eu fiz isso primeiro e achei muito difícil, quando cheguei à fotografia, onde era essencialmente o diretor, o produtor e o cinegrafista ao mesmo tempo, senti que tinha essa autonomia que não tinha antes .
Além disso, gostei da forma como as fotos foram vistas, ou seja, em uma revista. Conforme comecei a fazer mais trabalhos, eles começaram a ser incluídos em livros e galerias, e agora estão até em museus. E eu gostei disso comparado a um vídeo pop, que naquela época só era visto na televisão. Agora você veria no YouTube, talvez no seu iPhone. Para mim, o resultado final foi algo que me interessou. Fiquei muito feliz por fazer algo que criou uma impressão, algo que durou, algo que era mais bonito de se olhar do que em uma tela de televisão ou um iPhone, que eu acho um maneira desagradável de ver as coisas.
Nesse ponto, se houvesse um artista que eu gostasse que quisesse um vídeo pop e houvesse liberdade para ser criativo, eu estaria interessado. Mas, assim como todas essas outras coisas sobre as quais estamos falando, acho que a indústria da música teve suas entranhas arrancadas financeiramente, então você lutaria.
Você vai falar no The Photography Show este ano. O quê você tem planejado?
Ainda estou brincando com o que quero discutir, mas chamei de 'Color by Miles Aldridge'. Acho que a cor é um assunto infinitamente fascinante na fotografia. Adoro colecionar livros e revistas de fotografia antigos e ver como as cores evoluíram em diferentes estoques de filmes ao longo da história da fotografia.
"Acho que se você apenas se inspirar em outros fotógrafos, provavelmente terá apenas um sucesso moderado com essa tática."
Miles Aldridge
O mais óbvio para discutir aqui é o Kodachrome. Durante as décadas de 1940 e 1950, e mesmo na década de 1960, a gama tonal daquele filme era extraordinária e criou um tom de pele que tem sido muito difícil de replicar desde então. Fotografo em negativo colorido Kodak e tento processá-lo na pós-produção para dar a mesma qualidade que adorei nas primeiras fotos.
Discutirei como as cores afetam a imagem e como as cores funcionam na fotografia para mim. Quando estou iluminando um objeto, por exemplo, gosto bastante de colocar um elemento de azul ou verde nas sombras, então há um tipo de frieza nas sombras e um pouco mais de calor nos realces. Então, vou falar sobre coisas sutis como essa, e também como um bloco de cor pode ter um efeito incrível na imagem quando entra em conflito com outro, e como eu trago isso para a imagem trabalhando com meus designers de cenário, make- até artistas, estilistas e cabeleireiros antes da sessão de fotos. Entre nós, colaboramos e criamos uma paleta.
Costumo pintar aquarelas e fazer esboços com antecedência também, e com isso posso visualizar como uma fotografia ficará. Quanto mais faço isso, mais confiança tenho na filmagem de que as cores ficarão unidas e proporcionarão uma boa estética. Eu não quero apenas fazer algo que pareça seguro e agradável. Eu prefiro adicionar mais algumas cores e fazer uma paleta mais desestabilizada. É isso que estou tentando conseguir, algo que à primeira vista pode ser um pouco demais, mas conforme você trabalha com isso, você é capaz de orquestrar e compor de forma que algumas das cores que você não pensou poderia funcionar acabar funcionando. Acho que é assim que você cria imagens modernas.
Estou sempre ciente do passado, seja uma pintura renascentista de quinhentos anos atrás ou um filme de David Lynch dos anos 1980. Eu tenho um grande catálogo de referências visuais, mas elas só levarão você até certo ponto - acho que você realmente precisa experimentar. Você pode experimentar no estúdio fotográfico até certo ponto, mas quando você está em um estúdio com outras 30 pessoas, você não quer ter todos esperando por você. Então eu tento fazer muito disso por conta própria.
Você diria que sua palestra será mais benéfica para alguém que faz retratos e deseja compreender melhor as cores? Talvez alguém que queira experimentar e assumir riscos criativos?
Talvez sim. Obviamente, acho que a palestra agradará as pessoas que gostam do meu trabalho. Não tenho certeza de como posso influenciá-los no que diz respeito à sua própria carreira - realmente depende deles tirar algo do meu trabalho, da mesma forma que peguei pedaços de Avedon e Newton e assim por diante. Esperançosamente, haverá algumas boas histórias lá também. Minha carreira tem sido um encontro muito interessante com várias pessoas, tentando fazer as coisas acontecerem. A coisa toda tem sido muito divertida, mas não é feita no vácuo. Isso é feito com muitas outras pessoas.
Eu acho que muitas pessoas não necessariamente apreciam o exército de pessoas por trás de fazer essa imagem funcionar. Eles apenas veem o nome dos fotógrafos e pensam nele como sendo deles.
Possivelmente, sim. No final do dia, o fotógrafo tem que assinar. É um esforço colaborativo e seu trabalho é muito apreciado, mas é o fotógrafo que tem que assiná-lo e ele vive ou morre com o talento do fotógrafo.
Qual kit você costuma usar?
Eu filmei quase exclusivamente com uma câmera Rolleiflex 6008. As lentes que costumo usar com essa câmera são as de 90 mm, que é minha lente preferida, e há uma lente de 120 mm, que também uso muito. Esses são os dois que uso principalmente. Eu também uso uma lente de 180 mm se precisar de mais zoom, e provavelmente vou até 50 mm.
Eu fotografo com iluminação Broncolor, e tudo é flash. Eu gosto do Flooter que eles fazem (acima), que é uma versão de um Hollywood Frenel.
Eu filmei no filme Kodak Ektar 100 ASA. Eu realmente não tiro muito digital, mas quando o faço, tendo a fotografar em uma Leica S com algumas lentes prime. Acho que as Leica têm uma representação cinematográfica melhor do que as outras marcas.
Miles Aldridge fará uma palestra no The Photography Show em 20 de março. Clique aqui para mais informações e para reservar ingressos
