Você precisa saber como editar vídeos, não apenas como gravá-los. Os dois estão tão intimamente relacionados que você precisa saber como o filme acabado deve ficar antes mesmo de começar a filmar - e essas dicas de edição de vídeo estão aqui para ajudar.
A ação acabou, a filmagem terminou e todas as filmagens foram capturadas com sucesso na câmera. Mas a edição é quando a história realmente se junta. É onde os recursos visuais, áudio, música, gradação de cores, engenharia de som e gráficos transformam os materiais básicos em um filme acabado que está pronto para ser assistido e apreciado.
A arte da edição não é sobre qual programa você usa, LUTs que você adiciona ou gráficos que você cria. Trata-se de decidir quais fotos usar e quais descartar, como as fotos escolhidas se encaixam e como você usa o som para reunir a aparência geral.
Fazer filmes de sucesso tem tudo a ver com contar histórias. As produções dramáticas de Big Hollywood ou Netflix têm centenas de pessoas à disposição, criando tudo para se encaixar na visão do diretor. Desde garantir que as cores das roupas que o elenco use combinem com o design do cenário até verificar se não há erros de continuidade e se o diálogo e a caracterização são totalmente verossímeis, é uma operação importante. Você pode não se dar ao luxo de coisas assim em sua produção, e é provável que você grave seu próprio material e o edite, talvez como parte de uma pequena equipe. Mas seja qual for o tamanho ou escala do projeto, tudo acaba em uma suíte de edição onde a versão final do filme é feita. Aqui está nosso guia para os princípios básicos de edição.
1. Sempre atire para a edição
Quando os filmes foram rodados em filme real que custou uma fortuna para processar, muitos cineastas foram, com razão, muito frugais sobre a quantidade de filmagens que fizeram. Mas hoje em dia, com câmeras digitais de alta resolução, é fácil continuar gravando, então você tem muito mais filmagens do que realmente precisa. Ele entope os discos rígidos e consome tempo de edição. Mas não é bom ter muitas filmagens da mesma parte da cena. Uma variedade de ângulos e pontos de vista tornam muito mais fácil na edição final. Fotos baixas, fotos amplas, fotos aéreas - cada foto oferece uma outra opção. Um bom cineasta pensa em como os planos podem ou podem ser usados na edição à medida que a filmagem é planejada e feita.
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2. Obtenha as fotos certas
A maioria das cenas precisa de uma variedade de fotos. Normalmente, uma tomada ampla é necessária para dar ao espectador algum contexto. Em seguida, algumas fotos de médio alcance e close-up para contar a história. E sempre que você estiver cortando entre duas câmeras diferentes, a posição da câmera deve mudar em pelo menos 30 graus entre os disparos, caso contrário, parecerá um erro. Para uma sequência de ação, é melhor filmar de duas posições de câmera diferentes para que você possa alternar entre elas na edição. E tente seguir a regra dos 180 graus, onde você imagina uma linha entre dois assuntos que estão conversando, e a câmera sempre fica de um lado dessa linha. Portanto, na edição, parece que eles estão conversando, ao invés de ambos virados para o mesmo lado.
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3. Não seja precioso
Freqüentemente, as fotos mais complicadas que são visualmente impressionantes podem não ser ideais para contar a história. Portanto, não se preocupe com as filmagens incríveis que você filmou, porque a história é o que importa. Escolha os clipes que mostram a ação essencial para ajudar a contar a história. Qualquer outra coisa pode ser deixada de fora. Isso não significa manter todas as fotos iguais - longe disso! Tente mostrar algo novo a cada corte, como um assunto diferente, ou uma visão alternativa da cena, como uma tomada mais ampla ou mais próxima ou de uma posição diferente da câmera. Ao cortar, varie o tamanho e o ângulo do tiro. Não corte entre duas cenas semelhantes da mesma coisa.
4. Pense no ritmo
Ao editar suas fotos, uma máxima é que cada foto deve permanecer na tela apenas o tempo certo - tempo suficiente para que o espectador entenda o que está acontecendo, mas não muito tempo para ficar entediado. Portanto, close-ups ou fotos simples sem nenhum movimento devem ser mantidas curtas. Mas é melhor deixar fotos amplas com muita coisa acontecendo ou cenas cheias de ação com vários assuntos por mais tempo para que o espectador entenda o que está acontecendo. Pense no ritmo também. Muitas fotos curtas e instáveis não combinam com fotos mais longas e lentas. O ritmo pode realmente afetar a forma como os espectadores percebem o filme.
5. Não seja muito elaborado com edições chamativas
A menos que você esteja fazendo um vídeo pop para uma banda de rock de alto ritmo ou talvez um comercial de ação de esportes radicais, muitas vezes é melhor manter os cortes e transições convencionais que combinam com o ritmo do filme. Os cortes padrão são adequados para muitas fotos em que a ação segue de uma cena para outra. Uma dissolução cruzada, onde um tiro se transforma em outro, costuma ser usado para mostrar que um curto espaço de tempo ou parte de uma jornada foi omitida. Transições e apagamentos chamativos, muitos dos quais são padrão em muitos programas de edição, podem parecer rapidamente inúteis e enigmáticos.
6. Aprenda a amar a câmera lenta
A câmera lenta é uma das melhores maneiras de adicionar algo especial aos seus filmes e também pode ser usada para mascarar filmagens instáveis! A maior parte da câmera lenta é feita gravando em uma taxa de quadros mais alta na câmera e, em seguida, desacelerada em seu programa de edição. Se você está editando em uma linha de tempo de 25 fps, mas gravou em 100 fps, você pode diminuir a velocidade para câmera lenta de 4x, por exemplo. Claro, o áudio mais lento é inútil, então você deve usar algo para mascarar isso. A aceleração da velocidade é uma boa técnica para dominar, em que o movimento começa na velocidade normal, depois desacelera para que o pico da ação fique em câmera lenta e, em seguida, volta à velocidade normal.
7. Ainda é tudo sobre o áudio
Todos os cineastas sabem que um bom som é essencial para qualquer filme. Áudio de assuntos falando, ou de máquinas trabalhando em um filme sobre a indústria, por exemplo, é crucial, é claro, e deve ser gravado habilmente sem pico. Mas também é vital gravar alguma faixa selvagem - muitas vezes chamada de tom de sala ou apenas ambiente - para usar em clipes para que você não fique apenas em silêncio. No drama narrativo, a engenharia de som fornece uma gama incrível de ruídos e efeitos para ajudar a contar a história. No documentário, não tenha medo de usar efeitos sonoros e ruídos se você não pudesse gravá-los de verdade. Como ondas quebrando em uma praia, uma impressão de computador, um toque de alarme, o chilrear dos pássaros ou uma multidão aplaudindo.
8. Acertar essas cores
Cores e tons afetam nosso humor e tornam as histórias mais fáceis de contar. No entanto, antes de mergulhar em visuais e qualidades sutis, é importante que as cores do seu filme sejam naturais e bem combinadas. Cada foto deve ser ajustada em termos de brilho, contraste, exposição e equilíbrio de branco usando as ferramentas de cores do software. É especialmente importante combinar as coisas ao usar câmeras e lentes diferentes em um projeto ou em diferentes condições de iluminação. Fotografar uma cartela de cores antes de cada foto torna isso muito mais fácil. Só então você deve considerar o uso de um grau de cor, ou mesmo um LUT, que afeta os tons e as cores da filmagem para dar um certo estilo. Em caso de dúvida, as cores neutras sempre funcionam!
9. Vá com calma com gráficos e títulos
A maioria dos aplicativos de edição vem com uma grande variedade de modelos para você usar. Legendas nos terços inferiores, títulos, efeitos que fazem sua filmagem parecer que foi filmada em uma camcorder dos anos 60 - todos estão disponíveis com um clique. E navegue na internet e veja centenas desses temas, transições, visuais e títulos que você pode comprar para conectar em seu editor de vídeo. Alguns são ótimos e podem ser ajustados, outros são muito enigmáticos. Portanto, use-os com cuidado. Gráficos simples e títulos de terços inferiores em uma fonte fácil de ler ajudam a contar a história do que está acontecendo na tela.
10. Escolha o NLE certo
Um NLE - editor não linear - é o software de edição usado para cortar seu projeto. Alguns são gratuitos, como o Windows Movie Maker ou o iMovie, se você tiver um computador Mac. Mas para obter mais controle e edições com aparência profissional, é melhor investir no Final Cut Pro X para Macs ou Adobe Premiere Pro e After Effects para Mac ou PCs com Windows. Todos estes são relativamente fáceis de usar, mas oferecem um fluxo de trabalho totalmente profissional. Uma alternativa é o DaVinci Resolve da Blackmagic, que pode ser baixado gratuitamente para a versão básica, que é mais do que a maioria dos cineastas realmente precisa. Resolve é o padrão da indústria para correção e gradação de cores e pode ser usado como um programa de edição independente. É complexo, mas pode dar resultados surpreendentes.
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