Baked Beans no Weetabix enlouqueceu nas redes sociais, graças a um brilhante marketing de dois gigantes do negócio de alimentos para o café da manhã. O Twitter explodiu com pessoas fazendo hashtag, tirando e compartilhando fotos de seus próprios grãos e 'misturas bix' - mas se você quiser que seu tweet seja uma tendência, você precisará pegar algo que valha a pena retuitar!
É aí que algumas dicas clássicas de fotografia de comida entram em ação. Sim, a atual mania de hashtag é um pouco divertida e boba, mas isso não significa que não valha a pena perder um pouco de tempo para preparar uma foto adequada e fazer as coisas de maneira adequada - e uma boa fotografia tem muito mais probabilidade de se tornar viral do que um clique granulado no seu telefone!
A fotografia de alimentos ganhou uma nova vida nos últimos anos. Não é mais um nicho de preservação de livros de receitas e cardápios de restaurantes baratos - as redes sociais tornaram a fotografia de comida um dos gêneros mais populares na forma de arte, com o cozimento (e até mesmo comer) da refeição muitas vezes sendo secundário.
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A situação atual de bloqueio torna a fotografia de comida uma escolha ainda mais atraente para fotógrafos frustrados que não conseguem entrar no mundo real. Com pouco mais do que o seu kit de câmera principal e as superfícies da sua cozinha, você pode criar algumas fotos com aparência verdadeiramente saborosa.
Embora os princípios gerais tenham muito em comum com a natureza morta e a fotografia de produtos, fotografar alimentos tem muitas armadilhas próprias. De qualquer forma, você precisará de fundamentos sólidos de teoria e técnica fotográfica - e obviamente a prática leva à perfeição! Assim como preparar seu prato favorito, fazer tudo certo pode ser muito mais complicado do que parece.
Para colocá-lo no caminho certo com a captura de suas criações culinárias, fomos até a cozinha com a fotógrafa profissional de alimentos Ewen Bell para examinar o equipamento e as principais habilidades para obter fotos que são tanto um deleite para os olhos quanto para o estômago…
Ver maisPor que o pão tem toda a diversão, quando há Weetabix? Servindo @HeinzUK Beanz no bix no café da manhã com um toque especial. #ItHasToBeHeinz #HaveYouHadYourWeetabix pic.twitter.com/R0xq4Plbd0 9 de fevereiro de 2022-2023
1. Trabalhe com boa luz
O erro mais comum é tentar filmar comida bonita com pouca luz. As câmeras enxergam a luz, não os objetos, mesmo quando o objeto é delicioso!
A fotografia de alimentos sempre começa com a luz. A luz perfeita é suave, abundante e angular. Você quer muita luz para brincar, mas definitivamente não quer luz solar direta fluindo para a cena; é muito forte e contrastante. A melhor mesa do restaurante tem o assento da janela, com a luz do dia do lado de fora e apenas a luz filtrada entrando.
Este cenário transforma a janela em uma grande softbox, enchendo a mesa com uma luz útil que oferece uma variedade de ângulos de filmagem. O ponto de partida é fotografar em um ângulo que atravessa a fonte de luz. Esse ângulo fornece contraste suficiente para revelar detalhes na cena e realça as cores. Você não tem que preencher o lado oposto da cena com uma placa de rebatimento ou flash de preenchimento, porque você pode iluminar áreas subexpostas das imagens brutas ao processar os arquivos - muitas vezes é mais rápido e mais preciso para definir ajuste os arquivos raw do que tentar torná-los perfeitos na câmera.
À medida que muda o ângulo, você cria uma qualidade de luz diferente para a cena. Quanto mais você atira na luz, mais contraste e drama você constrói. A riqueza da cor fica reduzida, os pretos são endurecidos e algumas áreas podem até explodir, e isso é aceitável para efeitos de estilo, se drama é o que você está procurando.
Como alternativa, quando você muda o ângulo para que a luz venha um pouco mais atrás de você, a cena é mais preenchida e o contraste fica mais plano. Ao controlar o ângulo em que você atira em relação à janela, você controla o contraste e a cor também - mesmo quando a luz é muito, muito suave.
Não importa o quão incrível sua comida pareça em um prato se a luz não estiver funcionando para você - comida boa com luz ruim pode causar falhas nas fotos. Por outro lado, sob a luz certa, quase todas as cenas podem parecer convidativas.
2. Editando suas fotos
O tratamento de seus arquivos Raw é tão importante quanto a filmagem. As cores mais naturais geralmente resultam de uma redução na saturação ou mesmo uma redução um pouco; se você está lutando com o equilíbrio de cores, é provável que a saturação esteja muito alta.
Em uma luz muito plana, você pode precisar aumentar um pouco o contraste para dar dureza às bordas - adicionar contraste apenas na extremidade preta do histograma ajudará a preservar os tons em outras partes da cena.
Além disso, o detalhe da sombra pode ser levantado para equilibrar a cena. Certifique-se de usar ajustes seletivos para adicionar exposição ou mais detalhes de sombra se elementos críticos forem perdidos na sombra.
3. Considere o flash
O problema de depender da luz natural ao fotografar alimentos é que nem sempre é natural. As projeções de cores podem ser lançadas na cena por árvores externas, as luzes internas podem adicionar pontos de cor à sala e o movimento das nuvens ao longo do dia pode causar mudanças dramáticas no contraste e nas temperaturas das cores.
Você nunca obterá uma luz branca limpa e agradável, a menos que traga a sua própria. O equipamento de flash trará consistência à sua fotografia e reduzirá o esforço de processamento. Estroboscópios confiáveis fornecem a cor exata e a quantidade de luz de um quadro para o outro. Se você estiver gravando conteúdo por vários dias, mas precisa que a aparência de cada quadro seja consistente, o flash de estúdio é o melhor.
Além de ser muito prático e confiável, uma vez que você tenha seu equipamento de flash sob controle, você fica livre para se concentrar em sua criatividade. A escala é crítica aqui. Assim como apreciamos a luz suave, abundante e inclinada na janela de um restaurante, tentamos alcançar o mesmo resultado no estúdio.
É necessária uma grande softbox, alimentada por uma fonte de luz suficientemente capaz. 100 W de flash é mais do que suficiente para filmar uma cena de mesa e extrair momentos de inspiração dentro dela.
Flashes movidos a bateria podem fazer o trabalho, mas você vai queimar as baterias e elas são dolorosamente lentas para se regenerar conforme a energia é drenada. Pelo mesmo preço de um flashgun decente, você pode comprar kits monobloco que oferecem uma unidade plug-in com um receptor embutido; basta conectar à energia elétrica e deslizar a unidade de gatilho para a câmera e você está pronto para começar.
Uma fonte de luz confiável é essencial, assim como a consideração de como você deseja moldar a luz. As softboxes para fotografia de alimentos devem ser muito grandes e oferecer quantidades generosas de difusão interna. Você precisa colocar a softbox perto da cena, o mais próximo possível para manter a luz o mais difusa possível.
Se suas caixas de modelagem de luz não forem suaves o suficiente, e muito contraste estiver aparecendo na cena, simplesmente adicione uma tela difusora adicional entre a comida e o flash.
4. Pare o movimento
A iluminação consistente do equipamento de flash de estúdio é perfeita para fazer clipes curtos em stop-motion da montagem passo a passo ou apresentação de um prato.
Prenda a câmera em um tripé e bloqueie o foco e a exposição - você precisa que sejam iguais para todas as cenas. Faça pequenos ajustes entre os quadros para imitar uma cena em movimento.
Processe os arquivos brutos com perfeição antes de gerar os quadros individuais e, em seguida, traga as fotos para a ferramenta de edição de vídeo e use transições suaves para suavizar o movimento.
5. Toda a mágica acontece em 50 mm
O campo de visão de uma lente de 50 mm é o ponto ideal para a fotografia de naturezas mortas, incluindo alimentos. À medida que seu campo de visão se alarga, como 35 mm, você começa a ter problemas de perspectiva, e quanto mais largo você fotografa, mais perto você precisa chegar, o que pode exagerar ainda mais a perspectiva. Também fica difícil controlar o fundo com uma lente mais ampla; você nem sempre quer que o resto da sala seja inserido no quadro.
Estreitar o campo de visão com uma lente telefoto também pode ser um problema. Comprimentos focais mais longos, como 100 mm, comprimirão a cena - você pode perder a sensação de profundidade e suas composições podem parecer planas. Lentes mais longas também criam problemas logísticos quando você está trabalhando em espaços confinados, pois você pode não ter espaço para se afastar o suficiente para uma foto.
Tudo funciona muito melhor quando você começa com 50 mm. Se você está gravando em um sensor de quadro inteiro, a outra vantagem de 50 mm é que existem muitos números primos acessíveis no mercado.
Uma abertura de f / 2 é ideal e é tentador usar uma 24-70 mm f / 2.8 se você já tiver uma, mas então você não estará desfrutando de todo o efeito de uma lente prime em f / 2 - e você também tem que lidar com uma lente grande e desajeitada que pode ser um obstáculo para o seu processo criativo.
A lente equivalente para câmeras APS-C é 35mm f / 1.4, ou para câmeras micro quatro terços, 25mm f / 1.4. quanto menor o sensor da câmera, maior a profundidade de campo obtida em um determinado f-stop, então você pode querer experimentar ir até f / 1.4 em vez de f / 2 com esses corpos de câmera menores. A diferença entre f / 2 ef / 2.8 é significativa para o bokeh de fundo e é ainda mais pronunciada em f / 4.
Filmar superficialmente é chamar a atenção para um elemento da cena, e o grau em que você derrete o resto da cena é essencial para sua composição.
Sua profundidade de campo também se expande conforme você se afasta do assunto, portanto, quanto maior for a cena fotografada em 50 mm, mais ao sul você pode ter que baixar o f-stop para obter o grau desejado de desfoque.
Fotografar em f / 4 pode parecer dramático quando seu quadro é do tamanho de uma xícara de chá, mas oferece impacto zero quando você recua para capturar uma configuração de mesa completa.
6. Considere a escala
Temos uma tendência, quando temos uma lente em mãos, de continuar avançando, tentando apertar a composição cortando todas as coisas que não queremos na cena. Este é um processo redutor. Acabamos com composições muito simplistas e sem ideia de onde erramos.
O truque para construir composições mais ricas e detalhadas com natureza morta e comida é dar um passo atrás e trazer mais para o quadro, não menos. Não é apenas uma questão de lentes diferentes, é uma perspectiva diferente; pensar maior é melhor. Ficamos obcecados com o que está no prato, sem perceber que há uma cena maior em oferta.
Ao recuar um pouco, você se pega atirando na mesa, não no prato. Agora você tem opções para suas composições. Afaste-se um pouco mais e você terá um restaurante, não apenas a mesa. Em cada nível de escala, você obtém diferentes opções de composição.
Recuar permite que você coloque o prato em um contexto maior, com espaço para incluir uma sensação de lugar. Ao trabalhar no estúdio, é um erro comum manter a escala pequena. Limitar-se a uma fração de um banco ou a um pequeno pedaço de madeira compensada que você pintou para parecer madeira envelhecida também está limitando sua criatividade.
Para grandes resultados, você precisa pensar maior do que uma caixa de pão. Expandir a escala de sua zona de tiro também permite que você abra espaço para vários pratos. Uma placa oferece muito menos opções do que duas ou três.
Com múltiplos do mesmo prato em uma mesa ou bancada de estúdio, você cria o potencial para composições em camadas. Conforme você se move, você encontrará fotos dentro da cena, e os múltiplos de um prato fornecem vários momentos de inspiração.
7. Inclua um pouco de ação
Ainda assim, a vida não precisa ficar parada quando se trata de comida. Coloque um pouco de movimento na cena e dê vida a ele. Capturar movimento em suas cenas adiciona impacto à boa composição - por exemplo, o derramamento de líquidos, vapor saindo de pratos quentes ou simplesmente salpicando sal em um prato.
Além disso, o preparo dos alimentos e as pessoas que os preparam são ótimos elementos para incluir em uma série de fotos. Sujo é mágico; uma sensação de caos em uma cozinha ou ingredientes em uma bancada aumentam o interesse.
8. Estilize a cena
Construir uma composição interessante requer um espectro de abordagens, com o estilo dos alimentos de um lado e o fotojornalismo do outro. Você pode criar a cena exata que deseja desde o início usando adereços e estilos ou pode procurar momentos em uma cena que já existe no mundo real; os melhores resultados geralmente vêm de uma combinação dos dois.
O estilismo é uma habilidade dedicada - em um ensaio fotográfico comercial, o estilista pode ganhar mais do que o fotógrafo. Os estilistas fornecem seus adereços e ideias e, normalmente, o conceito da filmagem geral depende mais fortemente de suas mãos.
O fotógrafo terá que assumir a liderança, manipular a luz a seu favor e garantir que a cena final seja tecnicamente competente.
Como fotógrafo, é uma alegria trabalhar com um bom estilista, porque eles carregam muito da carga criativa. Com o estilista preparando a cena, você pode dedicar sua atenção à tarefa de encontrar a composição ideal - para uma pessoa lidar com a fotografia e o estilo pode ser difícil, pois seu cérebro está pulando entre duas tarefas e você pode não ser capaz de concluir com êxito para sua satisfação.
Quando você está filmando no local, é importante considerar quanto do personagem original do restaurante ou da cozinha você deseja inserir nas imagens. Os imperativos do fotojornalismo exigem que você revele a natureza do seu assunto, enquanto o estilo é uma tentativa de criá-lo por meio da arte. Na prática, sempre há um certo grau de ambos.
Gosto de ‘filmar em volta da cena’ quando visito um restaurante ou outro local. Peço aos funcionários que ponham as mesas como fariam para os convidados e apresentem pratos com vinhos servidos - quero ver como eles apresentam o seu trabalho. Com uma mesa totalmente vestida, começo a procurar elementos dentro da cena.
Eu procuro um "herói" e procuro composições que atraiam vários elementos. E então eu posso começar a estilizar a mesa um pouco - não muito, apenas um pouco. Eu faço ajustes, removo as distrações e adiciono camadas ao fundo. Eu faço isso em locações e quando trabalho com um estilista no estúdio.
Combinar essas duas abordagens produz diversidade nas imagens que você pode coletar e abre a porta para composições inovadoras que são inesperadamente gratificantes.
9. Lembre-se de usar adereços
A chave para um ótimo estilo de comida é ter adereços à mão para complementar a cena. Se você está planejando filmar muito no estúdio, você vai querer começar a coletar alguns adereços interessantes para apimentar suas cenas.
Os ingredientes de uma receita podem ser usados como adereços, bem como louças e talheres. As pessoas também podem atuar como adereços. Pense nas mãos envolvidas na cena, ou talvez no pessoal da cozinha manuseando um prato - escalar para filmar mais amplo dá espaço para trazer esses acessórios para a composição.
O acessório certo pode adicionar contexto a uma cena, como um bule de chá e xícaras junto com uma fatia de bolo. Os adereços também podem ser usados para adicionar cuidadosamente cores específicas a uma cena que embelezam o assunto principal.
10. Assuma o controle total
O que torna a fotografia de comida tão diferente de outros gêneros é o grau de controle que você tem sobre o assunto. Você pode fazer quase tudo que quiser com a cena - você pode até comê-lo! É fácil controlar a luz sobre uma cena do tamanho de uma mesa, em comparação com filmar um estúdio completo ou esperar o nascer do sol sobre uma paisagem.
A comida não precisa fazer pose ou expressar uma expressão; ele fica lá e aceita silenciosamente a atenção, sem se mover. Dentro dos limites, é claro - tome cuidado com o sorvete, pois ele pode derreter em minutos se você não estiver pronto para a injeção.
A escala e a natureza inanimada da fotografia de alimentos significam que você tem excelentes oportunidades para composição. É um ótimo gênero para explorar o uso de cor, perspectiva e repetição.
Não sinta que precisa de todas as cores do arco-íris em um único quadro - em vez disso, tente inicialmente trabalhar com uma paleta de cores limitada e encontre maneiras de repetir as cores ao longo da cena. E use mais de um prato no seu styling, aproveitando uma escala maior e ideias maiores.
Mude sua perspectiva enquanto você fotografa - tente a visão de cima para baixo, mas depois procure por ângulos diferentes que revelam mais ou menos certos elementos.
A fotografia de alimentos se presta a filmagens presas, e é uma boa ideia trabalhar com um laptop e cabo elétrico quando no estúdio ou no local. É uma grande vantagem em comparação com a visualização apenas na câmera, porque você obtém um feedback muito melhor sobre variações sutis em suas fotos e uma confirmação mais precisa de onde sua profundidade de campo está atingindo.
Além disso, a clareza de uma tela grande de laptop também oferece melhores reproduções de suas composições, completas com seu tratamento de processamento preferido conforme cada quadro rola para fora da câmera. a regra principal, porém, é sempre começar com a luz - não importa o quão interessante a comida seja se você não tiver uma boa luz. Apontar para uma luz suave, abundante e angular.
Conforme muda sua perspectiva, você também pode mudar o ângulo de luz - como adicionar sal e pimenta para temperar um prato, mudar o ângulo é o ajuste fino da sensação da foto.
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